Con los autores de los Premios SGAE 2024 y del Laboratorio de Escritura

Con el objetivo de que las obras se representen en teatros

En la sala polivalente del Mercado de las Artes Escénicas en Valladolid

La Fundación SGAE, en colaboración con FAETEDA (Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza), retoma su iniciativa EnlazaTeatro SGAE en el marco de Mercartes 2025. En esta edición, dos de los ganadores de los Premios SGAE de Autoría 2024 y los autores participantes del undécimo y duodécimo Laboratorio de Escritura Teatral de Fundación SGAE podrán presentar sus textos ante productores y distribuidores teatrales en busca de acuerdos que deriven en su puesta en escena como espectáculos.

En total, diez dramaturgos y dramaturgas expondrán sus proyectos en EnlazaTeatro SGAE el 22 de octubre entre las 11 horas y las 14 horas en la sala polivalente en Mercartes, que este año vuelve a celebrarse en el recinto ferial de Valladolid. El Mercado de las Artes Escénicas y de la Música servirá de foro de encuentro para los profesionales del sector, acogiendo citas de negocio, debates y espacios de reflexión, entre otras actividades.

Una decena de autores en EnlazaTeatroSGAE

Los autores y las autoras participantes de esta edición de EnlazaTeatro SGAE 2025 son: Néstor Roldán Abarrategui con Los grillos tullidos (33º Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela 2024) y Sebastián Moreno con De gigantes y guisantes (25º Premio SGAE de Teatro Infantil 2024); y los seleccionados en el 12º Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación SGAE Beatrice Bergamín con 56 verdes diferentes; Alessandra García con La obra del mar; Laura Mihon Niculescu con Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta; Sergio Serrano con Hay un perro que camina en la niebla y Ana Torres Peñalver con Ídolo. Episodios de mutismo selectivo. A ellos se suman los participantes del mismo laboratorio en su edición anterior (la undécima): Josi Alvarado con Adelas y Bernardas. Una carta de matricidio, Tomás Cabané con Demasiada piel y Enrique Cervantes con El mejor padre del mundo.

Al servicio de los autores y las autoras

Además de las actividades organizadas a través de su Fundación, la Sociedad General de Autores (SGAE) contará con un stand que estará disponible de forma gratuita para los socios y las socias de SGAE que lo necesiten, un espacio exclusivo y gratuito de trabajo para acoger reuniones con programadores, distribuidores y productores. El equipo de Artes Escénicas de la entidad estará disponible en el espacio número 310 del 21 al 23 de octubre de 2025.

Acerca de EnlazaTeatro SGAE

EnlazaTeatro SGAE se presenta como un espacio para facilitar la conexión entre los textos que se escriben en la actualidad y quienes tienen la valentía de montar espectáculos. Un grupo de productores y distribuidores procedentes de distintos puntos del Estado escucharán a los autores y las autoras exponer sus obras, durante un tiempo máximo de ocho minutos, con libertad absoluta en su forma, elementos y puesta en escena. Todas las intervenciones se graban en vídeo y se entregan editadas a los participantes.

Colección editorial de la Fundación SGAE

Todos los textos seleccionados para EnlazaTeatro pertenecen a la colección editorial de la Fundación SGAE. La entidad publica cada año los volúmenes referidos a los Premios SGAE de Autoría, así como los Laboratorios de Creación Teatral. El catálogo editorial de la Fundación SGAE suma en la actualidad más de doscientos títulos que perfilan la evolución de la escena contemporánea. Así, a las ya señaladas colecciones de teatro de la Fundación SGAE, se suman manuales, guías, ensayos, biografías, antologías y estudios sobre políticas de gestión, marketing y fidelización de públicos.

Acerca de las obras participantes

BEATRICE BERGAMÍN

Madrid,1968

De madre italiana y padre español. Con 12 años comienza su vocación por la literatura y con 16 años inicia su carrera profesional como actriz. Actualmente compagina la interpretación y la escritura. Ha trabajado con La Fura dels Baus, la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el Centro Dramático Nacional con Rodrigo García o María Velasco, entre otras. Pero también ha formado tres compañías propias como Desaforado2 (con dos obras de su autoría: No hay papel y El presente es un animal). También ejerce como escritora en Primer Acto, El Español, El País, El Mundo…y ha dirigido la revista Actores y ha pertenecido al equipo de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y del ciclo 365 Mujeres Segovia. Como dramaturga destacan sus obras No hay papel; El presente es un animal; El corazón de astronauta (V Laboratorio de Escritura Teatral, ediciones Fundación SGAE); La mujer que amaba demasiado; Four Seasons; Nuestras Stories; El futuro será un jardín (o la selva), y las piezas breves La socorrista, La propina, Alegría y Gaza, publicadas por Ediciones Invasoras

56 verdes diferentes
“Nada es blanco ni es negro, todo está en verde. Abre la ventana. Estoy preparada”. Una mujer vive en carne propia los cambios que el tiempo pinta en su cuerpo, al tiempo que percibe la huella del cambio climático. Decide emprender y aprender el camino hacia lo inevitable con dolor y miedo, pero también con la alegría líquida y el asombro que la sostienen.

ALESSANDRA GARCÍA

Málaga, 1984

Su línea de trabajo se enmarca en el teatro participativo, relacional y las artes vivas. Performer, actriz, directora y dramaturga. Durante los últimos ocho años ha compaginado su trabajo artístico con la programación de artes escénicas y música de Contenedor Cultural de la Universidad de Málaga. Dirige el taller de teatro UMAescena. Su última pieza en solitario, Mujer en cinta de correr sobre fondo negro, ha recibido los galardones a Mejor interpretación en los VI Premios Ateneo, Premio Max 2022 a Mejor espectáculo revelación, finalista a Mejor actriz y autoría revelación y Premio El Ojo Crítico a las Artes escénicas 2022. Ha sido traducida al rumano. Acaba de publicar el libreto Oú (Disbauxa Editorial, 2024) y ha formado parte del elenco de Orlando, dirigida por Marta Pazos en el Centro Dramático Nacional.

La obra del mar
La obra del mar es una posibilidad: la de hacer una obra en la playa. Un texto anárquico que bracea en boca de distintos personajes —la Luna, la Foca monje, Halieto, la mar, la arena y la Bañista— para hablar de la intimidad, el territorio, los cuerpos, la familia y la naturaleza como un todopoderoso. El ritual de estar en la playa aparece aquí como un hogar efímero, un lugar donde se conjugan lo personal y lo colectivo, lo humano y lo salvaje.

LAURA MIHON
© Daniel V. Ruiz

Dramaturga, directora y gestora cultural de origen rumano. Licenciada en Comunicación Audiovisual, inicia su formación en dramaturgia y dirección en la Sala Beckett de Barcelona. Realiza el Máster de Creación Teatral de la UC3M. Miembro de la compañía Col·lectiu La Santa, en el seno de la cual escribe Quan acabi la nit,  escribe y dirige Una casa a l’est y L’hora blava (2018), estrenadas en el Teatre Tantarantana de Barcelona. Miembro fundador del Laboratorio de Escritura de la Sala donde escribe y dirige la lectura de Relatos ajenos. Coautora de La noche sin tiempo. Escribe y dirige Caléndula, sobre la fortuna y el desasosiego de tener un cuerpo (Off Latina, 2022). Gana la Beca Premio Barcelona 2020 por su proyecto Del olvido y del recuerdo, con el que también participa en Studio International de La Chartreuse (Avignon), en el taller de creación e investigación escénica de la Fundación Valparaíso (Mojácar), a cargo de Iara Solano y Carlos Tuñón, y en la residencia de creación Laboratorio de Artes Contemplativas de Casa Virupa, en Tavertet (Barcelona). Gana el Premio Teatro Exprés 2022, organizado por la Asociación de Autores de Teatro, con su texto Vecinas. Ayudante de dirección en varias obras, entre las que destaca María Luisa de Juan Mayorga (Teatro de La Abadía, 2023).

Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta

Una madre desayuna con sus dos hijos. Huele a café y a bizcocho recién hecho. Se reúnen por primera vez en mucho tiempo. El padre no está, murió hace unos años, dejando atrás una habitación llena de trastos que ahora se disponen a vaciar, es una obra sobre cómo gestionamos la muerte, la propia y la ajena, en un mundo diseñado para ignorarla.

SERGIO SERRANO
Segorbe, Castelllón, 1990
© Lola Flor

Es dramaturgo, guionista y director. En teatro desarrolla su actividad principal con las compañías La Zafirina y El Gatopardo, desde las que escribe, dirige y/o produce espectáculos como El artefacto, Los que comen tierra, Cuando el tiempo no tenga ya memoria o Niña de nadie, que se han podido ver en espacios de toda España. Entre teatro y cine ha escrito una veintena de piezas con las que ha recibido numerosos reconocimientos, como el Premio Internacional de Teatro ‘Ricardo López Aranda’, Premio de la Crítica Literaria Valenciana, Premio ‘Lorena Palau’, Premio Acotaciones en la Caja Negra, ganador del Torneo de Dramaturgia Valenciana, beca En Blanco de la Sala Cuarta Pared, Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales del INAEM, Laboratorio de Dramaturgia Ínsula Dramataria ‘Josep Lluís Sirera’ del Institut Valencià de Cultura, Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación SGAE, Programa Nuevas Dramaturgias de San Sebastián y las Residencias Dramáticas del Centro Dramático Nacional.

Hay un perro que camina en la niebla
Una gran fábrica. Debería estar en funcionamiento, pero algo ocurrió. Los días pasan. Hace frío. Las temperaturas bajan. Al pie de la fábrica, una pequeña garita. En ella, tres guardas de seguridad, que son y no son guardas de seguridad, coinciden en los cambios de turno. Apenas se conocen entre ellos. Esperan a que todo arranque. No hacen otra cosa que esperar. La fábrica no arranca. No arranca. No arranca. Pero no tardará en hacerlo. Hay rumores.

ANA TORRES PEÑALVER
Teruel, 1994

Se gradúa en Filología Hispánica por la Universidad de Zaragoza, donde también cursa estudios de Pedagogía, y desde entonces combina el trabajo teatral con la docencia. Estudia Dirección y Dramaturgia en la ESADCyL, donde se especializa en dramaturgias contemporáneas. En 2022 recibe el Premio Mutis de Teatro Emergente de Barcelona en la modalidad de texto largo por Ara. Ha colaborado en distintas producciones del Centro Dramático Nacional, como Comedia sin título de Marta Pazos y José Manuel Mora, y El cuaderno de Pitágoras de Carolina África. En 2022 estrena su obra en el espacio Andén 47 de Valladolid, obra que será seleccionada como finalista en el festival de artes online WE:NOW.

Ídolo. Episodios de mutismo selectivo
Ídolo transcurre en una sala de ensayos, un aula o un teatro. Tres personajes descubren que tienen un secreto en común, una vivencia que no saben bien cómo van a contar. Por eso en Ídolo hay una obra que se resiste a ser escrita y dos intérpretes que a pesar de ello intentarán seguir adelante con la función. También hay un diario. Y un manual de clases.

NÉSTOR ROLDÁN

Bachelor of Arts por la University of Kent y Máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos, continúa la formación con el Michael Checkhov Studio London (UK), la SITI Company de Nueva York (EEUU) y en la Scuola Internazionale di Commedia dell’arte (IT). En su recorrido profesional han viajado siempre juntos el actor, el escritor y el director, colaborando, a lo largo de los años, en producciones audiovisuales de Globomedia, Películas Pendelton, Morena Films, Mediaset, BocaBoca Producciones, Boomerang TV, Chester Media Producciones y Videoreport Canarias, o escénicas en el Centro Dramático Nacional (CDN), el Teatro Español, las Naves del Matadero o El Festival de Teatro Clásico de Almagro, entre otras. En 2024 es galardonado con el 33º Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela por su obra Los grillos tullidos. Ha sido profesor de dramaturgia, guion, interpretación y dirección escénica en varias universidades y, actualmente, lo es en el de la Escuela Universitaria de Artes TAI mientras continúa colaborando con instituciones italianas y la Universidad Complutense de Madrid.

Los grillos tullidos
Los Friseal, ambos en el meridiano de sus vidas, comparten, en un silencioso barrio residencial, un matrimonio tranquilo, apacible y felizmente rutinario. Pero toda la paz construida tras el gran ventanal de su chalet se convulsiona un viernes 25 de noviembre, en el que el Señor Friseal desaparece. Todas sus pertenencias están en su lugar. No hay notas de despedida, llamadas, ni indicios de ningún tipo. La búsqueda de su cuerpo, vivo o muerto no da el más mínimo resultado. No hay explicación posible. Es entonces, que la Señora Friseal se enfrenta a un duelo sin forma. ¿Debe velar a un muerto o afrontar un abandono? La Señora Friseal y Dan Sinclair, el mejor amigo del matrimonio, se convierten, el uno para el otro, en el soporte con el que conseguir mantenerse en pie durante el viaje del día a día. Un vínculo que, poco a poco, se va estrechando y cambiando. Cada uno de ellos se va volviendo la realidad del otro y el Señor Friseal se va desdibujando para ambos en el tiempo. Pero lo que ninguno sabe es que, en realidad, el señor Friseal sigue allí, observando, mucho más cerca de lo que nadie pudiese llegar a imaginar.

SEBASTIÁN MORENO

Palma de Mallorca, 1985
Combina las facetas de autor, actor y director de escena. Explora lenguajes diversos, tanto para público adulto como infantil. Sus textos se han traducido al inglés, francés, italiano y polaco, y ha merecido algunos de los siguientes premios:  Premio Calamonte Joven con La orilla también duele, Premio Internacional de dramaturgia Invasora con Nana de la desaparición, Premio Villacarrillo Imaginaria con El vals de la desesperanza, Premio dramaturgo José Moreno Arenas con Alepo significa leche fresca y El alma en un suspiro, Premio Teatriem con El hombre de la barba minada de leyendas, Premio catalina de Aragón con Sonata del corazón negro, Premio dulce x amargo (ESAD Asturias) con La otra Lola, Premio Rafael Guerrero con Ese veneno de cuerpos y Thabo, un evangelio, Premio Platta con SAKURA, la flor de cerezo y Premio Internacional de literatura de la fundación Antonio Machado de Collioure con La noche en los labios, Premio SGAE de teatro infantil con De gigantes y guisantes. Entiende la dramaturgia contemporánea como una manera de intervenir en el mundo, emocionar e invitar al pensamiento.

De gigantes y guisantes

El ser humano siempre ha querido, curioso, conquistar el espacio exterior. Tras muchos intentos y aproximaciones, en 1969, el Apolo 11 tripulado por Neil Armstrong consigue llegar a la Luna. Hace historia, y su hazaña es seguida por televisión por millones de personas. Entre ellas, su familia, que tendrán que despedirse de él para que se prepare para esta aventura espacial, con su imponente traje de astronauta. Me gusta pensar que esta historia (otra mirada sobre la llegada del hombre a la Luna) es una historia sobre esa red de cuidados que nos sostiene, a la que llamamos familia. De cómo nos sentimos cuando toca despedirse, de cómo nos duele la distancia, y de cómo el tamaño o la importancia de las cosas y los gestos depende de una cuestión de perspectiva.

Y es también una reflexión sobre el concepto de éxito, su relatividad, y de cómo construimos lazos de admiración y cariño en la cercanía y en la lejanía. Todo esto, viajando en un cohete espacial, a años luz de la Tierra, (toda una invitación al asombro) y con pasaporte directo a un mundo de fantasía donde las escafandras, las estrellas y la ingravidez hacen de las suyas, a la luz de la Luna.

TOMÁS CABANÉ

Granada, 1993
©Aleks Kawalec

Director de escena, dramaturgo y docente. Licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la RESAD. Máster en Gestión Cultural Internacional e Innovación Social por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente imparte clases de dramaturgia y literatura dramática en The Core School (Planeta Formación y Universidades). Es el director artístico de la compañía de teatro contemporáneo @malalaproduce un espacio de trabajo, resiliencia y encuentro que persigue la creación e investigación interdisciplinar con el objetivo de transformar el diálogo con el público. Algunos de los ejes temáticos u obsesiones que ha trabajado en compañía son la memoria, la familia y las cuestiones de género e identidad, así como los personajes que han sido históricamente desplazados hacia los márgenes. Los primeros trabajos fueron fruto de procesos de creación colectiva con piezas de teatro-danza, pero también ha estrenado obras de autoría propia como Querido capricho (Centro Dramático Nacional, 2020) y Llenad mi cuerpo de piedras (Injuve – La Casa Encendida, 2023). Recientemente ha sido seleccionado en el XIII Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales del INAEM con el proyecto Los días estériles (2025).

Demasiada Piel
Matías es expulsado del centro donde imparte Historia del Arte por mostrar a sus alumnos imágenes de obras artísticas que algunos consideran impúdicas. A partir de ese momento se ve obligado a replantearse su vida personal y profesional, en el seno de una singular familia de acogida que encarna la preocupante pervivencia de ciertos temores y terrores colectivos.
NOTAS SOBRE LA PIEZA: ¿Resiste el concepto de intimidad o vivimos en una realidad pornográfica? ¿El arte puede llegar a ser pornográfico? ¿Quién convierte lo artístico en pornográfico? Estas son algunas de las preguntas que me permitieron abordar la escritura de esta pieza, profundizando en la cultura de la cancelación y los límites del arte (y la moral). Tomo el cuerpo humano al desnudo, como uno de los temas más antiguos, universales y polémicos en la Historia del Arte. Desde la Venus de Willendorf, con más de 22.000 años de antigüedad, hasta los controvertidos trabajos de Egon Schiele, Robert Mapplethorpe, Wojnarowicz, Da Vinci, Gustave Courbet o el propio Miguel Ángel. El cuerpo desnudo no solo representa la vulnerabilidad o la belleza, sino que también pone en evidencia los códigos culturales del deseo, del tabú y del poder. Y en muchos casos, el escándalo no está en la imagen, sino en la mirada que la observa.

JOSI ALVARADO

Periodista, traductora, lingüista y docente, con media docena de obras publicadas, obtiene en 2019 el I Premio Ana Diosdado de Teatro y el Premio de la Crítica Valenciana por La Tarara, que acumuló siete candidaturas a los Max. Sus textos vasculan entre la lírica y el humor salvaje. Se atreve a hundir el cuchillo en las tripas de la violencia, la vejez y los mitos, propios y universales. En El Manual de la Señora de la Limpieza vivisecciona con bisturí mordaz la ratonera que es la clase baja española en que se crio. Llévame a Benidorm, también candidata a los Max, es una tragicomedia sobre dos mujeres con Alzheimer que se fugan de una residencia de ancianos y reivindican el derecho a decidir sobre su amor y sobre su muerte. En Les Troianes, Fucking Nowhere, -de nuevo candidata a los Max- revisita a las Casandras y las Hécubas que resisten en Kiev y en Gaza. Su última comedia -negra y sin coagular- es Adelas y Bernardas, una carta de matricidio.

Adelas y Bernardas. Una carta de matricidio
una carta de matricidio «Me llamo Adela, y acabo de matar a mi madre. No se ha quejado», así empieza Adelas y Bernardas. Una carta de matricidio, una comedia negra que fluye sin coagular. Érase una vez tres hermanas de padre, chejovianas y desatadas, que quieren matar -real o simbólicamente- a sus progenitoras. Bernarda es una mujer gorda a punto de que se le pase el arroz cuya madre es tan despampanante como Sofía Loren. Adela es el fruto de una infancia de higiene extrema, virtud y pellizco de monja. Pepa no quiere ser Pepa, pero no va a quitarse las tetas, solo va a quitarse el nombre. Las tres se ven a escondidas de sus madres, quienes ocultan a sus hijas el antiguo y terrible secreto que las une. Cuando se encuentran para decidir qué hacer con las cenizas del padre, si lanzarlas a alta mar o fumárselas en un porro, aquel viejo secreto salta por los aires. Adelas y Bernardas es una manera como cualquier otra de enjuagar la herida de ser hija. Entre ecos lorquianos y coros de Rafaella Carrá, el texto también va -explótame explótame expló- dinamitando todos los tópicos salvíficos y merengones sobre la maternidad

ENRIQUE CERVANTES

Algeciras, 1991

Autor y actor, se formó en interpretación textual dentro de la RESAD. En 2020 cursó un máster de guion audiovisual en la universidad online TECH y en 2024 hizo un curso de especialización en creación de series de ficción y otro sobre el formato documental en RTVE. También formó parte del XI Laboratorio de escritura teatral de Fundación SGAE, en el que pudo investigar y escribir la obra de teatro documental El mejor padre del mundo. Cocreó con Carolina Yuste el espectáculo HAMSIA que se estrenó dentro del Festival de Otoño del año 2020, una pieza que viajaba entre la instalación y la performance. Dos años más tarde compartió escritura y dirección del cortometraje La Acampada con Afioco Gnecco, ganando una Biznaga de plata en el festival de cine de Málaga. En 2024 estrenó su texto Don’t fuck with Carrie, que también interpreta. Durante la temporada 24/25 dirigió los espectáculos Viernes (Sala Usina) y Proyecto Ramen (Exlímite), ambos de teatro. Como actor tiene una carrera de más de diez años habiendo representado en el Centro Dramático Nacional, La Abadía o Teatros del Canal, entre otros. Actualmente está de gira con la obra Manual básico de lengua de signos para romper corazones y prepara la producción de Grito, Boda y Sangre como ayudante de dirección. La obra se estrenará en el teatro María Guerrero en enero de 2026.

El mejor padre del mundo

Raúl Martín tiene 27 años, pero cuando tenía 14 su padre, Naro, murió y nadie le explicó nada. Raúl Martín tiene 27 años y se ha subido a este escenario para interrogar a su familia, pero cuando tenía catorce escuchó sin querer una conversación en la que decían que su padre era heroinómano. Raúl Martín se pasó de los 14 a los 24 sin hablar del tema, pero ahora tiene 27 y quiere saber quién era realmente su padre. Hoy hemos venido todos a este escenario para ayudar a Raúl Martín a conocer la historia. Estamos su madre, su hermana, sus tíos y tías, los amigos de su padre, su novia, su perrita Lúa e incluso yo, el que escribo. Estamos todos y vamos a responder lo que tenga que preguntarnos. Estamos todos menos Naro, claro. Raúl tiene 27 años y descubre encima de este escenario que le encantaría que su padre fuese el mejor padre del mundo. Pero Raúl también tiene cuatro años y tiene que mear en un barreño porque Naro está encerrado en el baño colgado de heroína. Y las dos cosas son verdad. Y las dos son mentira. Raúl Martín se ha subido a este escenario para descubrir quién era Naro. Pero, en realidad, lo que va a descubrir es que eso es imposible, que Naro no existe.

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